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Morton Fine Arts apresenta uma exposição global de arte em fibra que explora a cura, a recuperação, a descoberta e o ser encontrado
A Morton Fine Art tem o prazer de anunciar Knit, Restored, Woven, Healed, uma exposição coletiva global de arte têxtil que explora temas interligados de cura, recuperação, descoberta e reencontro. A exposição apresenta obras das artistas Kesha Bruce (EUA), Lizette Chirrime (Moçambique), Maliza Kiasuwa (Bélgica e Quênia) e Adia Millett (EUA). Reunindo a arte têxtil dessas quatro artistas mulheres que atuam em três continentes, Knit, Restored, Woven, Healed é impulsionada pela crença na renovação, na cura e na materialidade significativa. “Embora meu trabalho preste homenagem ao passado por meio do uso de tecidos reaproveitados e iconografia histórica, suas imagens luminosas e ateístas olham para o futuro e são influenciadas por ele”, compartilhou Millett. “Ela nos lembra da importância da renovação e da reconstrução, não apenas por meio do processo artístico, mas também pela possibilidade de uma mudança transformadora.” A exposição Knit, Restored, Woven, Healed estará em cartaz de 24 de maio a 26 de junho de 2024 no espaço da Morton em Washington, DC (52 O St NW #302). A vernissage acontecerá no dia 1º de junho, das 2h às 4h.
Dando continuidade às técnicas praticadas por seus ancestrais, Chirrime e Kiasuwa trabalham com materiais ressonantes que remetem ao passado, ao mesmo tempo que permitem que o passado fale ao presente. Repouso e cura física e espiritual são os resultados desejados. A artista moçambicana Chirrime coleta materiais descartados de seu ambiente e comunidades vizinhas, utilizando tecido, linha, corda, tinta, costura e muito mais para produzir colagens dinâmicas que abordam a feminilidade africana e a condição humana. A interação de Chirrime entre têxteis e abstração, o eu e o universo, o descartado e o reparado, evoca um mundo recíproco de eu e o outro. "Eu uso tecido para criar obras como uma forma de autocura", diz Chirrime. "E simultaneamente para curar o Universo." O uso da arte por Chirrime como ferramenta terapêutica e espiritual cria uma compreensão reconfigurada da representação e da natureza humana, usando fio após fio colorido para inspirar esperança e cura.
Outra artista com uma longa trajetória enraizada em objetos encontrados e nas histórias que os inscrevem, Kiasuwa utiliza fios para costurar materiais díspares em um diálogo entrelaçado. “A arte têxtil é inerentemente adequada a temas de crescimento, renovação, reconstrução e mudança”, compartilha Kiasuwa. “A natureza das fibras, que podem ser torcidas, tecidas e costuradas, reflete a conexão e a resiliência encontradas na vida. Cada fio, embora frágil por si só, torna-se forte e sustentador. A versatilidade da fibra permite experimentação e evolução constantes. Posso tingir, imprimir, cortar e manipular fibras de infinitas maneiras, refletindo a natureza dinâmica da mudança e da transformação.” As obras de Kiasuwa frequentemente retratam e simulam simultaneamente uma visão de troca entre partes que — embora possivelmente dissonantes em termos materiais — são imbuídas de um senso de harmonia e dignidade na forma. Como artista visual de ascendência europeia e africana, Kiasuwa traz uma perspectiva panorâmica para seu trabalho que cruza fronteiras, considerando a coexistência de dois mundos como uma fonte inesgotável de inspiração e um espaço potencial para a reconciliação.
Artista com mais de 25 anos de carreira, Bruce tem direcionado seu trabalho para capturar e valorizar o processo criativo como um fim em si mesmo. Combinando intuitivamente pintura, colagem e arte têxtil, a obra de Bruce representa o ápice de uma prática criativa holística desenvolvida pela artista ao longo de várias décadas, frequentemente abordando temas como vida, renovação e cura. “Muitos dos materiais que uso em meu trabalho chegam até mim magicamente. Anos atrás, eu me preocupava mais com o significado de usar materiais encontrados, criados ou comprados em lojas, mas agora me rendi completamente à ideia de deixar que objetos, tecidos e materiais me encontrem”, disse Bruce. Referidas pela artista simplesmente como pinturas, suas composições em técnica mista são, na verdade, colagens de tecido pintado, selecionadas individualmente do vasto arquivo de Bruce e coladas diretamente na tela em uma colagem têxtil que por vezes lembra uma colcha de retalhos. Resultado de um método artístico lento e contínuo, cada obra representa horas de tratamento, seleção e justaposição até que o todo se torne manifestamente maior que a soma das partes. O processo criativo de Bruce termina com a atribuição de um título a cada obra: uma articulação poética daquilo que a obra é capaz de expressar por si só neste momento.
A obra de Millett entrelaça experiências afro-americanas com ideias mais amplas de identidade e história coletiva, sugerindo a frágil interconexão entre todos os seres vivos. Construindo obras a partir de fragmentos vibrantes e texturizados para criar um significado que transcende a soma de seus elementos individuais, Millett ilumina os paralelos multidimensionais entre o processo criativo e a identidade pessoal. Seus trabalhos têxteis, inspirados nas tradições domésticas e artísticas da confecção de colchas, combinam tecidos culturalmente diversos, muitas vezes reaproveitados, com iconografia histórica.
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Arte Morton
Fundada em 2010 em Washington, DC pela curadora Amy Morton, a Morton Fine Art (MFA) é uma galeria de belas artes e grupo curatorial que colabora com colecionadores de arte e artistas visuais para inspirar novas formas de adquirir arte contemporânea. Firmemente comprometido com a crença de que o colecionismo de arte pode ser cultivado através de uma postura educacional, a missão do MFA é proporcionar acessibilidade à arte contemporânea com qualidade de museu através de uma combinação de exposições substanciais e uma plataforma acolhedora para o diálogo e a troca de vozes originais. A Morton Fine Art é especializada em uma lista estelar de artistas de renome nacional e internacional, além de ter um foco adicional em obras de arte da diáspora africana.
Kesha Bruce (Arizona nascida em 1975, Iowa). Nascido e criado em Iowa, Bruce concluiu um bacharelado pela Universidade de Iowa antes de obter um mestrado em pintura pelo Hunter College, na cidade de Nova York. Bruce recebeu bolsas da Fundação para as Artes de Nova York (NYFA), do Vermont Studio Center, da Fundação CAMAC e da Fundação Puffin. Seu trabalho está incluído nas coleções do Museu Smithsonian de História e Cultura Afro-Americana (14 peças), do Centro Amistad de Arte e Cultura, do Centro Feminino da Universidade de Iowa, da Coleção de Fotografia En Foco e da Coleção de Livros de Artista Franklin Furnace do MOMA. Ela é representada pela Morton Fine Art desde 2011.
Além de sua prática de estúdio, Bruce é gerente de programas artísticos na Comissão de Artes do Arizona desde 2019. Ela também atua como presidente do conselho do Tessera Art Collective, uma organização sem fins lucrativos que apoia e eleva o trabalho e as práticas de Mulheres artistas BIPOC trabalhando em abstração. Bruce também é cofundador da Black Girl Basel - o único evento durante a Miami Art Week criado intencionalmente para mulheres negras artistas, criativas, empreendedoras, ativistas e agentes de mudança cultural.
Lizette Chirrime (Inhambane, Moçambique, nascida em Moçambique) cria intrincadas colagens de tecido sobre tela que são simultaneamente festivas e comoventes, transitando entre a figuração e a abstração para desenvolver uma linguagem visual única e distintamente africana. Costurando tecidos estampados, miçangas e outros objetos comuns na África Austral, Chirrime transforma materiais simples em quadros autobiográficos e narrativos carregados de emoções profundas e padrões de significado. Muitas de suas colagens têm como figura central personagens maternas e histórias da maternidade africana, honrando seu legado milenar de força e graça e utilizando sua representação como um recurso simbólico.
Depois de receber uma residência de três meses no Greatmore Studios na Cidade do Cabo em 2005, Chirrime passou os 16 anos seguintes de prática na África do Sul. Em 2021 regressou ao seu país natal, Moçambique, onde vive e continua a criar.
Maliza Kiasuwa (n. 1975, República Democrática do Congo) é uma artista visual de ascendência europeia e africana. Ela vive e trabalha na Europa e no Quênia, onde cria arte com elementos estimulantes e ecléticos, celebrando o poder místico da natureza africana através do uso de matérias-primas e símbolos tradicionais de energia que fluem nas veias do continente. Ela transforma objetos do cotidiano combinando métodos minimalistas de desfiar e torcer com processos construtivos de amarrar, tecer, costurar e tingir. O processo é fluido, concentrado e meditativo. Kiasuwa já expôs no Quênia, Suíça, Itália, Inglaterra e Estados Unidos.
Adia Millett, originalmente de Los Angeles, Califórnia, recebeu seu mestrado do California Institute of the Arts. Em 2001, ela se mudou para a cidade de Nova York para o prestigiado Whitney Museum Independent Study Program, seguido pelo programa de residência Studio Museum in Harlem. Millett recebeu seu BFA da Universidade da Califórnia, Berkeley e um MFA do California Institute of Arts. Ela foi artista residente no Whitney Museum Independent Study Program e no Studio Museum no Harlem. Ela expôs em instituições proeminentes, incluindo o New Museum, Nova York; PS 1, Nova York; Museu da Diáspora Africana, São Francisco; Museu de Oakland, CA; Museu de Arte Crocker, Sacramento; Centro de Artes Yerba Buena, São Francisco; Museu de Arte de Santa Mônica, CA; O Museu de Arte Contemporânea de Atlanta; O Centro de Arte Contemporânea, Nova Orleans; Barbican Gallery, Londres, San Jose Quilt and Textile Museum; e no California African American Museum, em Los Angeles, que organizou uma exposição individual de seu trabalho aclamada pela crítica em 2019. Millett lecionou no Columbia College em Chicago, na UC Santa Cruz, na Cooper Union em NY e no California College of the Arts. Millett atualmente reside em Oakland, Califórnia.
